Cours de MAO et d'Ableton, en visio
Réserver une première séanceAbleton Live, FL Studio, Maschine : se repérer dans l'interface, puis travailler vite, sans chercher où se trouve quoi.
Fabriquer ses propres sons plutôt que piocher dans les presets : synthèse soustractive, FM, additive, granulaire.
Gammes, accords, progressions : la théorie qui sert le morceau en cours, pas celle des examens.
Découper, étirer, transposer un échantillon jusqu'à ce qu'il devienne autre chose, et monter sa propre banque de sons.
Carte son, écoutes, micros, claviers MIDI : choisir, brancher, et faire dialoguer le matériel avec le logiciel.
Donner à chaque piste sa place : volumes, égalisation, compression, espace. Et comprendre ce qu'on règle, et pourquoi.
Poser les mains, lire, improviser, accompagner : le clavier comme outil pour composer plus librement.
Écouter un genre de près pour comprendre comment il est fait : structure, sons, arrangement, production.
Chercher ce qui fait que votre musique sonne comme vous, et pas comme le dernier tutoriel.
Passer de la boucle de huit mesures au morceau entier : idées, développement, arrangement.
À propos
J'ai fait de la musique sur ordinateur avant de savoir lire. À trois ans, sur ces logiciels éducatifs où l'on empile des boucles pour fabriquer un morceau : l'éveil musical est passé par le jeu, bien avant le solfège.
Le Conservatoire de Saintes est venu ensuite, de 6 à 14 ans. Huit ans de piano classique qui m'ont donné des fondations dont je me sers encore tous les jours : la lecture, la technique, l'oreille. Mais dans un cadre exigeant, où mes propres compositions n'avaient pas vraiment leur place.
Le déclic est venu après, seul devant le piano du lycée : jouer d'oreille, improviser, accompagner les chanteurs de l'internat. C'est là qu'est né ce rapport positif à l'instrument, d'où vient le nom : L'instrument positif.
La production est arrivée en parallèle, avec FL Studio découvert à 13 ans, puis des années à explorer seul, l'orchestration, l'électronique, tout ce qui me tombait sous la main. Assez pour quitter une prépa scientifique au bout de six mois et passer le concours du Conservatoire à Rayonnement Régional d'Annecy : entrée en piano classique, puis bifurcation vers l'électroacoustique et la MAO.
Le conservatoire se doublait d'un DUT mesures physiques : université le matin, musique l'après-midi. J'en ai gardé une méthode de travail (gestion de projet, résolution de problèmes, exigence de précision) qui structure aujourd'hui ma façon d'enseigner autant que la formation musicale.
Depuis : un album mixé en studio professionnel, une tournée montée de toutes pièces sur les côtes françaises, des scènes jusqu'à 8 000 personnes, un studio associatif à Paris ouvert à ceux qui n'avaient pas les moyens d'enregistrer. Aujourd'hui je travaille entre la Roumanie et la France, de la musique de film à la techno, et ce que j'y apprends passe directement dans les cours.
Élèves
Des parcours qui n'ont rien en commun, sinon d'avoir été construits sur mesure.
Un travail approfondi sur le sound design et l'expression émotionnelle à travers le rythme, avec une exploration sonore de plus en plus poussée au fil des séances.
Décryptage des codes de la musique commerciale et de leurs mécanismes de production, avec une application directe sur la construction de ses sets en festival.
Un travail sur le son comme outil de narration : chaque projet est pensé comme une histoire, chaque texture au service d'une émotion précise.
Techniques de jeu live et maîtrise du hardware sur Korg Electribe RED, avec une approche par la performance qui nourrit directement le travail de production.
Technique pianistique, accompagnement vocal et travail sur la confiance en scène : la confrontation au public est devenue un moteur plutôt qu'un obstacle.
Intégration de la Maschine et de la guitare dans Ableton, pour un processus créatif plus fluide où les idées prennent forme plus naturellement.
Platines DJ, Ableton et intégration de l'intelligence artificielle dans le processus de travail, une approche qui ouvre des perspectives inattendues.
Théorie musicale approfondie et improvisation au piano, dans un cadre structuré pensé pour libérer la créativité plutôt que la contraindre.
Technique piano classique en groupe. Une progression partagée, un plaisir collectif, et une émulation bienveillante qui fait avancer chacun à son rythme.
Méthode
Traduire. Enseigner n'est pas déverser un savoir, c'est le convertir : déplier une information dense, l'incarner dans un exemple, la reformuler jusqu'à ce qu'elle devienne évidente.
Partir de vous. Chaque élève arrive avec sa façon d'apprendre, ses goûts musicaux et ses objectifs. Le contenu s'ajuste séance après séance, pour construire une progression qui vous ressemble.
Garder le plaisir. Progresser nourrit la confiance, la confiance donne envie de jouer, et l'envie fait progresser. Dans cette boucle, on apprend aussi à donner une forme à ce qu'on ressent, une forme qui sonne juste.
Tarifs
Le prix de l'heure ne change pas. Ce qui change, c'est le rythme des séances et le suivi entre elles.
Une séance pour se rencontrer, voir où vous en êtes et ce que vous voulez faire.
Une séance de 1h30 : 43,50 €, sans engagement
Une séance par semaine : le rythme qui laisse le temps de pratiquer entre deux cours.
4 séances de 1h30, soit 29 € l'heure, engagement mensuel
Deux séances par semaine, pour un morceau à finir ou un cap à passer vite.
8 séances de 1h30, soit 29 € l'heure, engagement mensuel
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